Ci sono viaggi che finiscono quando si torna a casa. E altri che regalano un'ultima sorpresa proprio quando sembrano conclusi.

Il nostro viaggio in Cina, dopo giorni intensissimi trascorsi tra Pechino, la Grande Muraglia, i monasteri Shaolin, l'Esercito di Terracotta e i grattacieli di Shanghai, si è concluso il 25 luglio con l'arrivo all'aeroporto di Milano Malpensa.

Il volo Air China da Shanghai era partito durante la notte e siamo atterrati a Malpensa intorno alle otto del mattino.

Il nostro volo per Brindisi era previsto soltanto in serata. Avevamo quindi davanti un'intera giornata, e sarebbe stato un peccato trascorrerla in aeroporto.

Abbiamo deciso di dedicarla a due luoghi straordinari dell'arte italiana, la Pinacoteca di Brera e il Cenacolo Vinciano.

Avevamo organizzato tutto in anticipo con i biglietti della Pinacoteca di Brera già acquistati dal sito ufficiale del museo, mentre per il Cenacolo Vinciano avevamo prenotato una visita guidata attraverso GetYourGuide.

Da Malpensa a Brera

Dopo l’atterraggio a Malpensa Terminal 1 abbiamo raggiunto la stazione ferroviaria interna all’aeroporto. Il Malpensa Express, prenotato sul sito di Trenord, ci ha portati a Milano Cadorna in circa quaranta minuti, un trasferimento semplice che ci ha permesso di sfruttare davvero le ore disponibili.

Lungo il percorso verso Brera abbiamo attraversato gli spazi del Castello Sforzesco, ammirandone cortili, mura e torri senza entrare nei musei. Sorto nel Trecento come fortezza dei Visconti, fu ricostruito dal 1450 per volontà di Francesco Sforza, che ne fece anche una residenza di rappresentanza. La Torre del Filarete, che segna l'ingresso principale, richiama il progetto quattrocentesco di Antonio Averlino, detto il Filarete; quella che vediamo oggi è però una ricostruzione dei primi del Novecento, dopo la distruzione della torre originaria. Sotto Ludovico il Moro il castello divenne un centro della vita culturale del Rinascimento, frequentato da artisti come Leonardo da Vinci e Bramante. Attraversarne i cortili, tra le possenti murature in laterizio, è stato un modo piacevole di entrare nella storia della città prima di incontrarne i capolavori a Brera.

La Pinacoteca di Brera

Il quartiere di Brera conserva un'atmosfera particolare, fatta di strade acciottolate, palazzi storici, gallerie d'arte, botteghe, caffetterie e piccoli ristoranti.

La Pinacoteca di Brera è uno dei musei d'arte più importanti d'Italia, ma la sua origine è diversa da quella delle collezioni private dei sovrani. Nacque come museo pubblico e strumento di formazione per gli studenti dell'Accademia di Belle Arti. Ospitata nell'ex collegio dei Gesuiti, divenuto nel Settecento sede di istituzioni culturali, fu inaugurata ufficialmente nel 1809, in età napoleonica. Molte opere arrivarono da chiese e conventi soppressi. Visitarla significa dunque anche ricostruire frammenti di luoghi e storie oggi trasformati o scomparsi.

Gli affreschi trecenteschi dell’oratorio Porro di Mocchirolo, realizzati intorno al 1370 e oggi conservati a Brera, mi hanno fatto entrare idealmente in una piccola cappella medievale. Il museo ricostruisce lo spazio del presbiterio, con la Crocifissione e le storie sacre. Nel 1949 venne predisposto uno spazio per presentarli insieme. Vi si riconoscono gli echi della lezione di Giotto e della pittura lombarda del Trecento, ma anche una storia familiare. Il committente Stefano Porro, la moglie Caterina e i figli sono rappresentati come protagonisti della devozione e del prestigio sociale dell’epoca. È una testimonianza di quanto un museo possa salvare non soltanto un’immagine, ma la memoria di un ambiente intero.

Dopo questa breve immersione nel Trecento, ho preferito seguire il filo dei grandi incontri con gli artisti. Per me, che amo anche dipingere, ogni sala è stata un’occasione per osservare come la costruzione dello spazio, il colore e la luce possano diventare emozione.

Mantegna e il Cristo morto, uno scorcio che diventa dolore

Davanti al Cristo morto di Andrea Mantegna lo sguardo incontra prima i piedi feriti di Gesù, poi risale lungo il corpo disteso sulla pietra fino al volto. L’artista riduce volutamente la grandezza dei piedi per non nascondere il viso. A sinistra si stringono i dolenti, con volti segnati dal pianto e le bocche aperte, quasi fossero lettere di un alfabeto del dolore. San Giovanni, Maria e la Maddalena sembrano esprimere ciascuno un grido diverso. Mantegna in questo quadro ha dato forma al dolore senza ricorrere a grandi scenografie. Il quadro restò con lui fino alla sua morte e venne poi venduto dal figlio!

Il corpo giace su una lastra di pietra; i segni dei chiodi sulle mani e sui piedi e la nudità della scena rendono il dolore concreto, quasi fisico. L’assenza di decorazioni concentra tutto sull’umanità del Cristo e dei dolenti. La prospettiva, invece di allontanare, sembra portarci accanto a loro con il Cristo che invade completamente lo spazio dello spettatore.

Giovanni Bellini, la Pietà e il dialogo con Mantegna

C’è poi un legame familiare che rende ancora più affascinante il confronto dei fratelli Bellini con Mantegna. Nel 1453 Andrea sposò Nicolosia, sorella di Giovanni e Gentile Bellini. Mantegna e i fratelli Bellini erano quindi cognati. La loro vicinanza fu anche un’occasione di dialogo artistico, pur nella diversità dei linguaggi. Da una parte il rigore plastico e prospettico di Mantegna dall’altra, la luce e la morbidezza cromatica di Giovanni.

E’ interessante osservare soprattutto il rapporto fra i volti di Maria e di Cristo, così somiglianti e vicini da rendere il dolore una forma estrema di tenerezza materna. Il cielo grigio accompagna il lutto e l’iscrizione latina sotto la scena richiama il potere dell’immagine di suscitare il pianto. Un particolare che mi ha sorpresa è sapere che anche Umberto Boccioni, molto tempo dopo, raccomandava questa Pietà ai suoi amici come modello di intensità emotiva. La tavola giunse a Brera nel 1811, donata da Eugenio di Beauharnais.

La Pietà, databile al 1465–1470, mostra Maria che sorregge il corpo di Gesù accanto a san Giovanni. La vicinanza dei volti e delle mani fa pensare alla tenerezza con cui una madre stringe un figlio bambino. Qui la sofferenza non esplode, ma si raccoglie in un silenzio profondamente umano. È un confronto indimenticabile con la severità plastica del Cristo di Mantegna. Impossibile non commuoversi davanti a questo quadro!

La Madonna con il Bambino dipinta da Bellini a ottant’anni

La Pinacoteca custodisce una Madonna con il Bambino del 1510, dipinta quando Giovanni Bellini aveva ormai circa ottant’anni. La Vergine, avvolta in un manto azzurro, sostiene Gesù davanti a un drappo verde; ai lati si apre un paesaggio di alberi, colline e cielo luminoso. Bellini costruì l’immagine soprattutto con il colore, come rivelarono le indagini eseguite durante il restauro del 1987, con il disegno preparatorio ridotto al minimo. Nella quiete della natura si possono leggere anche simboli che preannunciano la Passione. Una prova straordinaria di freschezza creativa nella vecchiaia.

La Predica di san Marco fra Venezia e Oriente

Il percorso tra i dipinti veneti mi ha regalato un altro incontro memorabile, la monumentale Predica di san Marco ad Alessandria d’Egitto, iniziata da Gentile Bellini e portata a compimento dal fratello Giovanni. La piazza affollata, i costumi orientali e l’imponente architettura sullo sfondo evocano, a prima vista, la Venezia di piazza San Marco; in realtà siamo ad Alessandria, dove l’evangelista predica a una folla multiforme. È affascinante pensare che Gentile, inviato anche alla corte ottomana, avesse osservato da vicino volti e abiti di un mondo che in Europa appariva lontanissimo. Accanto all’intimità della Pietà di Giovanni, questa grande scena rivela la capacità dei Bellini di raccontare anche una storia collettiva.

La Pala di Montefeltro di Piero della Francesca

La Pala di Montefeltro di Piero della Francesca appare come un’architettura perfetta trasformata in pittura. La Madonna con il Bambino siede tra santi e angeli, mentre Federico da Montefeltro è inginocchiato in armatura, nella quale la luce si riflette con precisione. L’abside monumentale, la conchiglia e l’uovo sospeso sopra la Vergine compongono un asse rigoroso. Sul significato dell’uovo esistono interpretazioni differenti. Forse simbolo di nascita, creazione, perfezione. Proprio questa compresenza di ordine e mistero rende la pala così magnetica. L’armatura del duca non è un dettaglio secondario, i riflessi metallici convivono con l’immobilità solenne dei santi. L’uovo sospeso sotto la conchiglia richiama l’attenzione sull’asse centrale, mentre la luce rende tangibile lo spazio. Il Rinascimento trova qui un equilibrio tra esattezza matematica e significato spirituale.

Lo Sposalizio della Vergine di Raffaello

Nello Sposalizio della Vergine del 1504, Raffaello dispone Maria, Giuseppe, il sacerdote e gli invitati in una piazza dominata da un tempio a pianta centrale. Il bastone fiorito di Giuseppe, secondo la Legenda Aurea, rivela la scelta miracolosa dello sposo; un pretendente deluso spezza il proprio bastone. Le linee del pavimento conducono al tempio, le cui porte aperte lasciano intravedere il cielo. Raffaello rende la geometria più naturale e i gesti più vivi. Il dipinto riprende e supera il modello del maestro Perugino. È un’armonia in cui la matematica non appare fredda ma diventa il linguaggio di un mondo ordinato e bello. Pensare che nel 1958 il dipinto fu danneggiato da un aggressore e poi restaurato. Guardando Raffaello dopo Piero della Francesca, ho avuto la sensazione che la geometria fosse diventata naturale come un gesto.

Il Cristo alla colonna di Bramante

Nel Cristo alla colonna (1487–1490), Bramante, noto come l’architetto della Basilica di San Pietro, costruisce un’immagine che sembra continuare oltre i bordi della tavola. Il corpo di Cristo invade il primo piano; la colonna, la finestra e il parapetto suggeriscono uno spazio reale in cui lo spettatore viene completamente scaraventato dentro. Guardando da vicino si distinguono le lacrime trasparenti, i segni dei lacci sulla carne e una piccola pisside dorata sul davanzale, allusione all’Eucaristia. L’intensità umana del volto convive con il rigore di un artista che conosceva la prospettiva come linguaggio dello spazio. Il collegamento con la Milano di Leonardo e di Ludovico il Moro rende questa tappa ancora più significativa. Il pittore-architetto che più tardi avrebbe lavorato nella Milano di Ludovico il Moro usa la prospettiva non solo per descrivere un luogo, ma per coinvolgerci nel supplizio. E questa sua sensibilità per gli spazi ritornerà, in modo diverso, anche nella visita pomeridiana a Santa Maria delle Grazie.

Tintoretto e Veronese, due modi di raccontare Venezia

Con Jacopo Tintoretto il racconto cambia ritmo. Nel Trafugamento del corpo di san Marco, l’episodio leggendario della sottrazione delle spoglie del santo ad Alessandria diventa un turbine di gesti e di luce. Il porticato fugge vertiginosamente in profondità, il cielo minaccia tempesta, i personaggi sembrano attraversare lo spazio del quadro. Non è più soltanto l’ordine armonico del Rinascimento ma una pittura che trascina lo spettatore dentro l’azione.

Un'altra grande voce della Venezia cinquecentesca è Paolo Veronese, con la Cena in casa di Simone. L’episodio evangelico si trasforma in una scena conviviale grandiosa, dove l’architettura, i tessuti, le figure e il colore diventano parte del racconto. Veronese ambienta il racconto sacro in uno spazio che richiama le architetture monumentali della Venezia del Cinquecento, fra echi di Palladio e Sansovino. La grandiosità della scena mi ha fatto pensare a quanto il destino di un’opera possa cambiare insieme alla storia politica dell’Europa. Mi piace il contrasto con Tintoretto, l’uno costruisce un teatro di luce e movimento, l’altro una sontuosa rappresentazione della vita e dei suoi gesti. È proprio questo confronto a rendere Brera così coinvolgente in quanto opere vicine nel tempo possono raccontare il mondo in modi diversissimi. Questa enorme tela ebbe un viaggio molto movimentato. Dipinta nel 1570 per il refettorio di San Sebastiano a Venezia, misura ben 275 per 710 centimetri. Durante le requisizioni napoleoniche fu inviata a Parigi; dopo il ritorno in Italia, venne destinata a Brera nel 1817.

Caravaggio e la Cena in Emmaus

Nelle sale di Brera ho incontrato anche la Cena in Emmaus di Caravaggio. Il momento è quello del riconoscimento di Cristo risorto da parte dei discepoli, ma tutto si svolge attorno a una tavola essenziale, in una luce che fa emergere i volti dal buio. Dopo le architetture spettacolari dei veneziani, Caravaggio riporta il sacro vicino alla vita quotidiana. In questo quadro ci sono pochi personaggi, gesti trattenuti, un’intensità che non ha bisogno di grandi scenografie.

È la versione del 1606, diversa dalla Cena in Emmaus precedente oggi a Londra. Qui i gesti sono più contenuti, i colori più sobri, e la luce taglia l’oscurità senza disperdere il raccoglimento. Sul tavolo restano pane, vino e pochi oggetti. E poi, quel posto vuoto davanti alla tavola è quasi un invito rivolto a chi guarda a entrare nella scena. La vicenda biografica rende la tela ancora più intensa. Caravaggio la dipinse negli anni difficili seguiti alla fuga da Roma.

Il Cenacolo di Rubens e il lavoro del restauro

Abbiamo incontrato il Cenacolo di Peter Paul Rubens all’interno di una struttura attrezzata per il restauro, tra luci tecniche, piattaforme e strumenti di lavoro. È una scena che racconta un aspetto meno visibile dei musei dove i capolavori non sono oggetti immobili, ma opere fragili, da studiare e proteggere. È stato suggestivo incontrare a Brera un’altra interpretazione dell’Ultima Cena, prima di ritrovarci nel pomeriggio davanti al capolavoro di Leonardo. Nello stesso giorno avremmo incontrato due modi diversi di rappresentare lo stesso episodio evangelico, distanti per epoca e linguaggio pittorico.

Il Cenacolo di Rubens è datato al 1631–1632 ed era originariamente destinato a una cappella della chiesa di San Rombaldo a Malines. La composizione concentra gli apostoli attorno a Cristo, mentre Giuda, in primo piano, volge lo sguardo e porta una mano alla bocca. Ai suoi piedi compare un cane che secondo diverse interpretazioni, potrebbe alludere all'esclusione dai sacramenti oppure alla fedeltà. Anche questi particolari rendono interessante il confronto con l'Ultima Cena di Leonardo, che avremmo visto poche ore dopo. Vedere l’opera in restauro mi ha fatto pensare al lavoro silenzioso di chi studia e protegge la pittura. Il suo significato sarebbe tornato alla mente poche ore dopo, nel refettorio di Santa Maria delle Grazie.

Venezia dipinta da Canaletto, la prospettiva e il Grand Tour

A Brera si ammirano due vedute veneziane di Canaletto, databili al 1740–1745, il bacino di San Marco da Punta della Dogana e il Canal Grande verso Punta della Dogana da campo San Vio. Sono immagini che raccontano la fortuna europea di Venezia, meta prediletta dei viaggiatori del Grand Tour. Dietro l'apparente immediatezza c'erano studi dal vero e un rigoroso lavoro prospettico, talvolta aiutato dalla camera ottica. Le facciate, le imbarcazioni e i riflessi sull’acqua mostrano quanto la precisione possa diventare poesia. La camera ottica non sostituiva lo sguardo del pittore ma aiutava a misurare lo spazio, che veniva poi rielaborato attraverso disegno e luce.

Hayez e i Macchiaioli

Il Bacio di Francesco Hayez, dipinto nel 1859, racconta un incontro appassionato e forse un addio. Il giovane ha già un piede sul gradino, come se stesse per partire. Dietro il sentimento si nasconde anche la storia del Risorgimento. I colori degli abiti sono stati letti come un richiamo all’alleanza tra Italia e Francia durante la seconda guerra d’indipendenza. Il quadro venne presentato nello stesso anno dell’ingresso di Vittorio Emanuele II e Napoleone III a Milano. Lo stesso Picasso avrebbe voluto toccare l’abito della giovane perché gli sembrava un collage di seta.

Nel mantello verde, nelle calzamaglie rosse e nei toni chiari e azzurri dell’abito femminile si è letta un’allusione ai colori italiani e francesi, in un’epoca in cui esprimere apertamente idee patriottiche poteva essere rischioso. Hayez, protagonista della Milano romantica e vicino a Manzoni e Verdi, intreccia così sentimento privato e storia collettiva.

Nelle sale dedicate all’Ottocento mi sono soffermata anche sui Macchiaioli, tra Silvestro Lega e Giovanni Fattori. Nei loro paesaggi e nelle scene quotidiane le forme nascono dall’incontro tra zone di luce e colore, una ricerca diversa dalla prospettiva dei maestri rinascimentali, ma altrettanto attenta a ciò che l’occhio percepisce.

Lega e Fattori appartengono a un mondo diverso da quello delle architetture rinascimentali. Attraverso contrasti di luce e macchie di colore restituiscono la vita all’aperto, i paesaggi e il lavoro quotidiano. Ho trovato bello concludere idealmente questo percorso osservando come, nei secoli, la pittura abbia continuato a reinventare il proprio modo di guardare la realtà.

Canova a Brera e i suoi “Napoleone” tra bronzo e gesso

Prima di lasciare il palazzo mi sono soffermata anche su Antonio Canova, grande interprete del Neoclassicismo. Nel cortile d’onore si trova il monumentale Napoleone come Marte pacificatore in bronzo. Non è il sovrano in uniforme, ma una figura nuda secondo il linguaggio eroico della statuaria antica, con il mantello sulla spalla. La scelta idealizza il potere, trasformando il personaggio storico in un simbolo. All’interno si può osservare anche il grande calco in gesso, che permette di leggere in modo diverso le proporzioni, il modellato dei muscoli e il lavoro della luce. Il bronzo ha una presenza scura e monumentale, il gesso fa emergere la precisione delle forme; il marmo originale è oggi conservato ad Apsley House, a Londra. Il cortile, durante la nostra visita interessato in parte da lavori, mi ha ricordato anche che conservare un patrimonio significa prendersene cura continuamente.

Una pausa toscana alla Trattoria Torre di Pisa

Dopo tante ore fra le sale della Pinacoteca ci siamo fermati alla Trattoria Torre di Pisa, nel cuore di Brera. Dopo i giorni trascorsi in Cina, tra anatra laccata, ravioli e noodles, ritrovare i sapori italiani è stato un piacere! Abbiamo ordinato prosciutto toscano e testaroli al pesto, accompagnati da un Vermentino toscano.

I testaroli sono una specialità antica della Lunigiana. Nascono da una pastella di acqua, farina e sale cotta nei tradizionali “testi”, poi tagliata in pezzi, spesso romboidali, e condita. La consistenza è più morbida di quella della pasta comune e assorbe bene il pesto. È stata una pausa semplice e molto gustosa!

Santa Maria delle Grazie e il Cenacolo Vinciano

Nel pomeriggio abbiamo raggiunto il complesso di Santa Maria delle Grazie, uno dei luoghi più importanti della Milano rinascimentale.

Avevo prenotato in anticipo una visita guidata attraverso GetYourGuide, una scelta che si è rivelata particolarmente utile per comprendere la storia, la tecnica e le vicissitudini di uno dei dipinti più famosi e visitati del mondo.

Il Cenacolo fa parte del complesso di Santa Maria delle Grazie, riconosciuto dall'UNESCO come Patrimonio Mondiale nel 1980. Leonardo dipinse l'Ultima Cena tra il 1495 e il 1498 per la corte di Ludovico il Moro, nel refettorio domenicano che il duca voleva legare al prestigio della propria dinastia. La scelta di questo ambiente non era casuale, mentre i frati mangiavano, la scena dipinta sembrava prolungare idealmente la loro mensa.

Anche la chiesa racconta il potere e l'ambizione di Ludovico. Alla sobrietà delle parti più antiche, costruite in cotto lombardo, si affianca la grandiosa tribuna rinascimentale, tradizionalmente associata a Bramante, con un volume centrale coperto da cupola e spazi absidali che modulano la luce. Il progetto di farne un luogo dinastico si colloca negli anni in cui Milano era al centro delle grandi tensioni politiche italiane, con la discesa di Carlo VIII nel 1494 che aprì la stagione delle guerre d'Italia.

L’attimo in cui Gesù annuncia il tradimento

Leonardo sceglie il momento evangelico, quando Gesù annuncia: «Uno di voi mi tradirà». Invece di concentrarsi sull'istituzione dell'Eucaristia, frequente nella tradizione, dà forma ai «moti dell'animo». Bartolomeo si alza incredulo appoggiandosi alla tavola; Pietro si protende con un coltello in mano; Tommaso solleva un dito quasi a chiedere spiegazioni; Filippo porta le mani al petto come a proclamare la propria innocenza. I dodici apostoli sono distribuiti in quattro gruppi di tre; le reazioni si fanno più concitate vicino a Cristo, mentre Gesù resta isolato e fermo al centro, con le braccia aperte sul tavolo.

Le linee dell'architettura dipinta convergono verso la testa di Cristo e prolungano illusionisticamente lo spazio reale del refettorio. Leonardo tenne conto anche della luce dell'ambiente, il risultato è una continuità sorprendente tra la stanza dei frati e la scena sacra, quasi che Cristo e gli apostoli cenassero accanto a loro.

Il dettaglio di Giuda è rivoluzionario! Non è isolato dall'altra parte della tavola, ma rimane in mezzo agli altri, vicino a Pietro e Giovanni. Il volto in ombra e la borsa che stringe, tradizionalmente associata alle monete del tradimento, lo rendono riconoscibile; accanto a lui compare anche una saliera rovesciata, letta spesso come presagio di sventura. Il tradimento nasce così all'interno del gruppo più vicino a Gesù!

Una tecnica rivoluzionaria e fragile

La scelta tecnica fu tanto audace quanto rischiosa. Leonardo voleva tornare più volte sui dettagli, sui volti e sulle sfumature, mentre il vero affresco obbliga a lavorare rapidamente sull'intonaco fresco. Per questo sperimentò una pittura a secco su una preparazione già asciutta, con materiali e leganti non adatti alla stabilità dell'ambiente. Le prime testimonianze di deterioramento sono molto precoci, già nei decenni successivi, l'umidità del refettorio e le condizioni della parete accelerarono il distacco del colore. La fragilità che oggi commuove nasce, in parte, dalla stessa libertà creativa che rese possibile il capolavoro.

Danni, guerra e restauri

La storia successiva non fu meno difficile. Il refettorio subì usi impropri da parte delle truppe napoleoniche e, già nel Seicento, l'apertura di una porta cancellò per sempre la parte inferiore centrale dell'immagine, compresi i piedi di Cristo. Durante il bombardamento dell'agosto 1943 il convento fu gravemente danneggiato; le due pareti del refettorio, una con l'Ultima Cena e l’altra con la Crocifissione di Montorfano sopravvissero anche grazie alle protezioni predisposte, tra cui sacchi di sabbia. È impressionante pensare a quanto poco sia mancato perché entrambe le opere andassero perdute.

Il lungo restauro guidato da Pinin Brambilla Barcilon, condotto dal 1977 al 1999, ha cercato di distinguere e rimuovere le ridipinture accumulate nei secoli, recuperando con strumenti di grande precisione quanto rimaneva della mano di Leonardo. Sono riemersi dettagli delicatissimi, dai panneggi ai riflessi dei bicchieri.

La Crocifissione di Montorfano sulla parete opposta

Sull’altra parete del refettorio si trova la grande Crocifissione di Giovanni Donato Montorfano, dipinta nel 1495 con la tecnica del vero affresco. La scena del Calvario è popolata da numerose figure e conserva un impianto più vicino alla tradizione del Quattrocento. Il confronto con Leonardo mostra due modi diversi di affrontare il racconto sacro e, soprattutto, due destini materiali differenti.

Sui lati della Crocifissione compaiono inoltre i resti sbiaditi di ritratti legati alla famiglia Sforza, generalmente attribuiti a Leonardo o alla sua cerchia. Si tratta di Ludovico il Moro, Beatrice d'Este e i figli. Furono realizzati a secco e sono oggi quasi fantasmi sulla parete. Il contrasto con la maggiore tenuta dell'affresco di Montorfano racconta, in modo visibile, le diverse sorti delle tecniche pittoriche.

Quindici minuti davanti a Leonardo

Oggi l'accesso è regolato da sistemi di controllo climatico, filtraggio dell'aria e ingressi contingentati. Siamo rimasti nella sala per soli circa quindici minuti, un tempo breve ma prezioso per proteggere l'opera. Sapere quanto sia fragile la superficie rende quel tempo ancora più intenso! Dopo aver visto nel corso della mattina il Cenacolo di Rubens, ritrovarsi davanti a Leonardo è stato un confronto emozionante. Rubens concentra l’attenzione sul gesto eucaristico, Leonardo sul momento in cui il tradimento spezza l’equilibrio del gruppo. Due immagini diversissime, entrambe capaci di farci sentire presenti alla scena!

-----INFORMAZIONI PRATICHE-----

Per un itinerario simile è essenziale prenotare le visite e tenere conto dei tempi di rientro in aeroporto.

·        I biglietti della Pinacoteca di Brera, in via Brera 28, li avevo acquistati dal sito ufficiale (https://pinacotecabrera.org/); per una visita senza fretta suggerisco almeno due o tre ore.

·        Il Cenacolo Vinciano si trova in piazza Santa Maria delle Grazie,2. Noi avevamo scelto una visita guidata tramite GetYourGuide, mentre per disponibilità, orari e regole aggiornate è opportuno consultare https://cenacolovinciano.org/. Prenotate con largo anticipo!

·         Il Malpensa Express era stato prenotato sul sito di Trenord (https://www.trenord.it/). Scaricate l’app!

In una giornata con un volo serale è prudente prevedere un margine adeguato per tornare a Malpensa e superare i controlli aeroportuali.

Un consiglio: se resta tempo visitate il Duomo!

Il Duomo non faceva parte della giornata di ritorno dalla Cina. Lo avevo già visitato in occasione di un precedente passaggio a Milano, tornando dalla Valle d’Aosta prima di prendere il treno notturno per Brindisi, un viaggio che ho raccontato anche su itinerare.it. Lo suggerisco però a chi dispone di qualche ora in più, perché è uno dei luoghi simbolo della città.

Il Duomo merita almeno una sosta anche solo per ammirarne l'esterno! La costruzione cominciò nel 1386, sotto Gian Galeazzo Visconti, e il cantiere si aprì presto a maestranze e modelli del gotico europeo. Il marmo rosa di Candoglia, trasportato lungo le vie d'acqua fino a Milano, divenne un segno distintivo della cattedrale e della Veneranda Fabbrica del Duomo. Le sue dimensioni monumentali, i cinquantadue pilastri e il sistema di archi rampanti rendono ancora oggi impressionante la struttura. Alla soluzione del tiburio contribuirono, nel tardo Quattrocento, Giovanni Antonio Amadeo e Giovanni Dolcebuono; anche Leonardo e Bramante si interessarono al problema. La facciata fu completata soltanto nell'Ottocento, anche per impulso di Napoleone, incoronato qui re d'Italia nel 1805.

In alto svetta la Madonnina, collocata nel 1774 sulla guglia maggiore, a oltre cento metri d'altezza. Una figura di rame dorato diventata il simbolo della città. All'interno, per chi decide di entrare, colpisce il San Bartolomeo scorticato di Marco d'Agrate, che porta la propria pelle come un mantello. Sotto la cattedrale si conservano tracce della Milano paleocristiana, tra cui i resti del battistero di San Giovanni alle Fonti, legato alla memoria del battesimo di sant'Agostino da parte di sant'Ambrogio. Un'altra tradizione affascinante è il rito della Nivola, durante il quale uno storico apparato di sollevamento permette di raggiungere la reliquia del Sacro Chiodo. Sono motivi in più per dedicare al Duomo una visita vera e propria, quando il tempo lo consente.

Il ritorno a casa

Intorno alle 16.30 abbiamo preso il treno per Malpensa dal quale partiva il nostro volo verso Brindisi. Alle spalle avevamo un lungo volo intercontinentale, dodici giorni intensi in Cina e una giornata intera di cammino, pittura e incontri con la storia.

Dalla prospettiva di Mantegna alla tenerezza di Bellini, dalle geometrie di Piero della Francesca e Raffaello ai banchetti di Veronese, fino al silenzio del refettorio di Leonardo, Milano ci aveva regalato un viaggio dentro il viaggio.